En la feria de arte independiente de NYC, una generación mayor de fotógrafos toma el centro de atención

Fotografía

Incluso antes de ingresar a la feria de arte independiente, que está de regreso en Tribeca’s Spring Studios después de mudarse al distrito financiero en 2021, los visitantes prueban una de las grandes fortalezas de la feria de este año: una fotografía deslumbrante de décadas de antigüedad de un sub- artista reconocido. En este caso, la artista es Martine Barrat, una fotógrafa francesa residente en Nueva York que ahora tiene más de 80 años, cuya fotografía en blanco y negro de un juerguista saliendo del Amsterdam Music Club de Harlem temprano una mañana en 1982 se imprimió en uno de los carteles del edificio. ventanas exteriores.

Justo dentro de la feria, la galería Nina Johnson, con sede en Miami, tiene un stand individual de las fotos de Barrat (con un precio de entre $ 12,000 y $ 32,000), la mayoría de las cuales capturan escenas callejeras de la ciudad de Nueva York a principios de la década de 1980.

Muchas de las imágenes tienen la composición, la franqueza y la espontaneidad de la fotografía callejera clásica, pero también hay un grado de familiaridad, grandeza e incluso interpretación en algunas que evocan la serie seminal Harlem, EE. UU. de Dawoud Bey de unos años antes. O, como dijo una vez Yves Saint Laurent sobre el trabajo de Barrat: “Este fotógrafo tiene un ojo especial, un ojo que ve desde el corazón. Ella sabe cómo capturar el momento único que lo dice todo”.

El stand de Nina Johnson es uno de más de media docena en Independent dedicado en parte o en su totalidad a trabajos fotográficos realizados hace décadas por artistas que (todavía) no son nombres conocidos. Como lo ve la cofundadora de la feria, Elizabeth Dee, este tipo de presentaciones, que agregan y complican las narrativas históricas del arte, son posibles en parte porque la audiencia de la feria llega ya extremadamente bien informada. “Asumimos que todos saben todo y nuestro desafío es mostrarles algo nuevo”, dice.

En el stand de Higher Pictures Generation, lo «nuevo» es una cuadrícula de 35 autorretratos en blanco y negro de 1977 (con un precio de $25,000) de la fotógrafa y distribuidora británica con sede en Nueva York, Janice Guy. Muchos en el mundo del arte de Nueva York conocen mejor a Guy como la mitad de la galería de Chelsea, Murray Guy, que cerró desde entonces, que representó a fotógrafos pioneros como Moyra Davey y An-My Lê.

“Cuando se mudó a Nueva York, convirtió su medio en una galería”, dice Kim Bourus, propietaria de Higher Pictures Generation. La gran cuadrícula, que nunca antes se había exhibido públicamente, fue guardada durante años junto con la mayor parte de la obra fotográfica de Guy por el artista Thomas Strüth, su compañero de clase en la Kunstakademie Düsseldorf, donde estudió con Klaus Rinke y Bernd y Hilla Becher. Su inclinación por la serialidad es evidente en las fotos de Guy aquí, la mayoría de las cuales están instaladas como cuadrículas o series, aunque ella prefiere los autorretratos a la arquitectura industrial.

Otra artista que trabaja en fotografía y que durante mucho tiempo ha quedado fuera de la historia más amplia de Pictures Generation, Jennifer Bolande, tiene un puesto en solitario con Magenta Plains. Sus obras expuestas abarcan desde 2014 hasta principios de la década de 1980 y reflejan un interés conceptual en la fotografía y las imágenes apropiadas.

Los primeros trabajos, de su Serie Porno (1982-83), son imágenes pequeñas e inescrutables de interiores domésticos genéricos. Se basan en fotogramas de películas antiguas para adultos que se mostraban durante las proyecciones nocturnas en el cine donde trabajaba Bolande, que cortó de las películas y desarrolló como miniaturas fotográficas. Proporcionan un preludio a las obras más recientes y más grandes que se exhiben en las cercanías.

“Estaba emparentada con la generación de imágenes, pero no ha recibido el nivel de atención que tienen muchos de esos artistas”, explica un miembro del personal de la galería, y agrega que los visitantes de Independent tienen un nivel de fluidez con la fotografía que no es un hecho. en cada feria. “Hay un gran conocimiento de las técnicas de la fotografía entre los coleccionistas de esta feria. Hemos estado recibiendo preguntas sobre cámaras, ediciones y técnicas de impresión”.

Dos puestos más allá, Galerie Sultana, con sede en París, ha emparejado lienzos de la pintora británica emergente Celia Hempton con fotografías del fotógrafo suizo Walter Pfeiffer que abarcan desde la década de 1980 hasta este año (con un precio de entre 5.000 y 9.500 euros).

Sus imágenes, que incluyen naturalezas muertas y retratos parcialmente oscurecidos de figuras masculinas, se yuxtaponen bien con los enigmáticos lienzos figurativos de Hempton. Para el fundador de la galería, Guillaume Sultana, la presentación en Independent y una gran exposición de Pfeiffer que acaba de inaugurarse en el Instituto Suizo brindan la oportunidad de mostrar el papel influyente del artista en un momento de transición en la fotografía.

“Comenzó en las décadas de 1960 y 1970, en medio del paso de la fotografía en blanco y negro a la de color, y estaba en conversación con la generación anterior”, dice Sultana. “Pero también sirvió de inspiración para muchos de los fotógrafos que trabajaban en color que vinieron después”.

Obras más antiguas de otros fotógrafos influyentes, algunos más conocidos que otros, están a la vista en Independent. Maureen Paley tiene una instalación estilo salón que incluye fotos de Peter Hujar y Wolfgang Tillmans. Ivan Gallery, con sede en Bucarest, muestra fotos de la década de 1970 del artista rumano Ion Grigorescu.

Y el stand de Galerie Hubert Winter, con sede en Viena, incluye una fascinante presentación de obras de la fallecida artista feminista de vanguardia austriaca Birgit Jürgenssen. Incluye fotografías de performances e intervenciones lúdicas y subversivas, como Nest (1979/2002, con un precio de 15.000 dólares), en la que la artista aparece desnuda con un nido de pájaros que contiene dos pequeños huevos acunados en su entrepierna.

Para Dee, el predominio de la fotografía histórica en la feria de este año es un síntoma del resurgimiento del interés de los coleccionistas por el medio, que ella atribuye, en parte, a un factor sorprendente. “El mercado de la fotografía se ha estancado en gran medida durante la última década, pero el péndulo está oscilando en la dirección opuesta”, dice. “Creo que eso se debe en parte a los NFT (tokens no fungibles), que han hecho que los coleccionistas se sientan mucho más cómodos con el concepto de ediciones: las personas que compran NFT ven todo a través de la lente de los coleccionables, en lugar de objetos únicos”.

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