En honor al 75 aniversario del New York City Ballet, Rizzoli trabajó con Marc Happel, director de vestuario de la compañía de danza durante los últimos 17 años, en un nuevo libro, «New York City Ballet: Choreography & Couture».
De hecho, la idea se le ocurrió a Happel hace unos cinco años. Con la ayuda de megaestrellas culturales (como Sarah Jessica Parker, miembro de la junta directiva de NYCB) que se tambalean entre los mundos de la danza y la moda, ha fusionado con éxito los tremendos talentos de la moda con las artes escénicas. Y después de haber establecido relaciones con los diseñadores más codiciados y haber convertido el departamento de vestuario de la compañía de danza en la fuerza extraordinaria que es hoy, solo tenía sentido que se contara la historia de cómo Happel lo logró.
A continuación, él explica cómo comenzó en el teatro, por qué el vestuario es absolutamente vital para la actuación y qué se necesitó para hacer este libro.
Cuando empezó como cliente, ¿qué le atrajo del mundo del teatro, en lugar de seguir una carrera como, por ejemplo, diseñador de marca?
Recuerdo que cuando trabajaba en el Teatro Guthrie de Minneapolis, un amigo me dijo que se estrenaba en Broadway un nuevo musical de Bob Fosse llamado «Dancing» y que la tienda de disfraces estaba muy atrasada y desesperada por ayuda. Condujimos a Nueva York en una camioneta y me mudé aquí, sin saber qué iba a hacer realmente o si me iba a quedar.
Terminé trabajando en «Dancing» con Bob Fosse y, al mismo tiempo, también me mudaba a una de las capitales de la moda del mundo. Entonces me sentí arrastrada entre los dos, porque sentía que quería trabajar en la industria de la moda, pero tenía una educación en vestuario teatral. Al final, el vestuario teatral tenía más sentido para mí, porque la investigación histórica que conlleva cada diseño me resultó apasionante. En la moda, parece que siempre estás mirando hacia adelante y no apreciando tanto el pasado.
¿Cómo se superponen, desde tu perspectiva, los mundos del teatro y la moda (posiblemente las dos comunidades más fuertes de Nueva York)?
Muchas veces en los diseñadores más antiguos, como Dior, se puede ver su inspiración proveniente de los trajes de ballet. Ciertamente, el tutú romántico es algo que a menudo se ve en la moda, especialmente en años pasados.
¿Qué tan integrales son el vestuario de un ballet para la narración que ocurre en el escenario?
En teatro, es obvio porque estás ayudando a crear un personaje por cómo lo vistes. He estado en pruebas donde entra un actor y les ponemos el disfraz por primera vez y me dicen: ‘Veo el personaje que estoy interpretando ahora’. Hay mucha gente en el ballet que siente que el vestuario simplemente estorba. Muchos coreógrafos y bailarines sienten que un disfraz debe ser lo más simple posible porque quieren ver la línea completa del cuerpo.
Pero también creo que el vestuario realmente puede informar al público sobre el escenario, quiénes son estos bailarines, en qué época se encuentra el ballet y más. Cuando se levanta el telón y tienes el vestuario para los valses vieneses, inmediatamente le dice al público dónde están.
¿Cuáles son las etapas iniciales del comisariado y diseño del vestuario de un ballet?
La mayoría de las veces, un coreógrafo contrata a un diseñador, pero trabajo con ellos para transformar su dibujo bidimensional en un traje tridimensional: eligiendo telas, haciendo pruebas, guiando al diseñador si nunca ha trabajado en danza. antes. Es muy diferente diseñar para un bailarín: son atletas, así que hay que hacerles posible bailar. Es un gran proceso que realmente disfruto.
Has tenido la oportunidad de colaborar con muchos diseñadores de renombre. ¿Cómo es trabajar con aquellos que nunca antes han confeccionado ropa de danza?
Los llevo mucho a los ensayos, lo cual les revela mucho porque pueden ver exactamente lo que hacen estos bailarines y lo atlético que es. Después de eso, analizamos cómo las cosas que normalmente se hacen con una tela no elástica se pueden hacer con una tela elástica. Por ejemplo, si quieren utilizar seda u organza, existen versiones elásticas menos conocidas de esos tejidos que utilizamos.
¿Hay algún ajuste particularmente desafiante al que los diseñadores que no son de danza tengan que adaptarse?
Muchos coreógrafos son muy específicos al querer ver las líneas del cuerpo. Quieren ver la extensión completa y cada movimiento. que es algo que tengo que ayudar a los diseñadores a entender: el vestuario tiene que ser un poco menos.
¿Existe alguna colaboración con un diseñador que consideres tu favorito o el más memorable?
Ha habido muchos que fueron muy divertidos y gratificantes, pero Valentino [Garavani], que fue nuestro primer colaborador de alta costura, fue emocionante. Es la definición de un ícono de la moda. Quería estar involucrado constantemente, lo cual no esperaba. También me encantó trabajar con Thom Browne y Giles Deacon, con quienes me he hecho muy amigo.
Iris Van Herpen fue otra colaboradora increíble. Fue gracioso, porque la mayor parte lo hicimos por computadora. Me enviaba muchísimos diagramas y correos electrónicos sobre cómo se debía hacer el disfraz. Sin embargo, estaba muy feliz con el resultado, a pesar de que estaba en toda la computadora.
¿Cómo surgían habitualmente estas relaciones entre coreógrafos y diseñadores?
Con el paso de los años, se ha convertido en una situación en la que me pidieron que elaborara una lista de diseñadores que me pareciera interesantes. Por lo general, cada diseñador sería aprobado por Sarah Jessica Parker y luego presentaríamos alrededor de ocho o diez de ellos al coreógrafo.
Parker ha estado en nuestra junta directiva durante un tiempo y es un gran partidario del New York City Ballet. Cuando empezamos a traer diseñadores para colaborar con la empresa, la Semana de la Moda de Nueva York se llevaba a cabo en el Lincoln Center. Pensamos que sería una colaboración interesante entre diseñadores y coreógrafos emergentes.
¿Cómo fue la conservación de imágenes de este libro? ¿Qué ideas seguramente querías presentar?
Definitivamente quería combinar las fotografías finales con los bocetos de cada diseñador, para que el lector pudiera ver cómo estas ideas cobraron vida. También incluí muchas citas de diseñadores, coreógrafos y bailarines para ayudar a dar una idea de cómo es diseñar para el NYC Ballet.
Pasamos una semana filmando todas las imágenes con Pari Dukovic. A partir de ahí comencé a trabajar con Sarah Gifford, una brillante diseñadora de libros; Me encantó la forma en que compuso los libros y fue muy paciente conmigo porque tenía una idea muy clara de cómo quería que se viera este libro. Estaba abierta a todo. Ella se rió cuando la conocí porque le dije: ‘No quiero páginas en blanco’. Quiero que cuando lo abras sea como un joyero.’
¿Hay algún mensaje general que desee dejar a los lectores?
Quiero que la gente vea qué es el vestuario del NYC Ballet. Creo que mucha gente no ve ni comprende realmente lo increíble que es el proceso. Este libro celebra la increíble diversidad de diseñadores, pensamientos, siluetas y más que surgen de la tienda de disfraces del NYC Ballet. Los artistas que trabajan aquí son los héroes anónimos del ballet.
¿Cómo aconsejaría a un cliente joven que se incorpore a la industria hoy?
Conéctate con la historia de alguna manera. Mira el pasado. Creo que ahora se trata de mirar hacia el futuro, pero gran parte de eso se basa en lo que ya se diseñó bellamente en el pasado.
