A Saul Leiter le encantaban los paraguas. Salpican sus fotografías de Nueva York de mediados de siglo, apareciendo a lo largo de años de trabajo: paraguas rosas, paraguas rojos, paraguas amarillos. Sus dueños permanecen escondidos debajo, secos y fuera de la vista, eclipsados por sus vívidos pabellones.
En “Saul Leiter: An Unfinished Word”, una nueva y alegre retrospectiva que se exhibe en la MK Gallery de Milton Keynes, Inglaterra, estos paraguas cantan desde las paredes.
Al igual que los letreros naranjas de las tiendas, las cortinas escarlatas y los guiones color crema de los taxis.
Leiter, que murió en 2013, es ahora reconocido como uno de los grandes fotógrafos en color del siglo XX, un pionero que adoptó (y experimentó con) las películas de diapositivas en color cuando la mayoría de los fotógrafos profesionales todavía estaban apegados a los negativos monocromáticos.
Contra los fondos apagados de Manhattan de cemento, piedra y chimeneas, se concentró en los letreros de neón parpadeantes y de barbería con rayas color caramelo.
Las tomas abstractas de Leiter de Nueva York parecen radicales, pero son fieles a cómo todos vemos las calles: fragmentadas por el tráfico, las fachadas de los edificios, las puertas, los ángulos y las multitudes.
Al adoptar ese punto de vista naturalista y confuso, Leiter pudo crear un collage dentro de un solo cuadro, una captura de todos los elementos urbanos vistos sobre la marcha.
En estas composiciones fragmentadas vemos peatones y policías, trabajadores de tiendas, paseadores de perros y trabajadores de la construcción, pero no como personajes específicos, sino más bien como notas de una partitura musical.
Las fotografías de Leiter a menudo son interrumpidas, confusas u ornamentadas (y a veces las tres cosas) por los caprichos del clima y los efectos atmosféricos.
Las figuras se ven a través de velos de condensación o nieve; los taxis se mueven y se desdibujan bajo la lluvia; un semáforo marca una tormenta de nieve. “Una ventana cubierta de gotas de lluvia me interesa más que una fotografía de una persona famosa”, comentó en el documental de 2013 “In No Great Hurry: 13 Lessons in Life With Saul Leiter”.
Se suponía que Leiter no era fotógrafo. Nació en 1923 en una familia judía estrictamente observante en Pittsburgh y se esperaba que se convirtiera en rabino como su padre, un estudioso del Talmud. Todo eso cambió en 1946, cuando Saul tomó un tren a Nueva York. Tenía 23 años y quería ser pintor. Permanecería alejado de su padre durante la mayor parte de su vida adulta.
Haciéndolo a la moda
Fue la amistad de Leiter con el fotoperiodista W. Eugene Smith lo que le llevó a plantearse la fotografía, aunque siguió pintando.
En Milton Keynes se exponen algunas de sus obras sobre papel y lienzos, pinturas abstractas y figurativas influenciadas por los postimpresionistas y grabadores japoneses como Hokusai (otro artista que amaba la lluvia).
Si bien Leiter vio paralelos entre los medios, pensó que se hicieron pinturas y se encontraron fotografías.
Sus fotografías privadas, ahora celebradas, en las aceras no fueron lo que lo apoyó. Desde finales de los años 1950 hasta los años 1980 tomó fotografías de moda para publicaciones periódicas como Queen y British Vogue, disfrutando gran parte del trabajo pero a veces viéndose limitado por los informes de los escritorios fotográficos.
«Una vez le dije al editor de la revista que un dibujo de Bonnard significaba más para mí que un año entero de Harper’s Bazaar», recordó. “Ella me miró con completo horror”.
«No era sólo un fotógrafo, no era sólo un pintor, era un poeta», dijo la curadora de la exposición, Anne Morin. De hecho, el manejo poco convencional de la cámara por parte de Leiter reflejaba la experimentación literaria de sus contemporáneos Jack Kerouac y Allen Ginsberg.
Sus fotografías se formaron a partir de películas obsoletas, exposiciones extrañas, enfoques erráticos y perspectivas locas. Incluso mejoró algunas de sus impresiones con gouache y acuarelas para crear fotografías híbridas.
En lugar de realizar un viaje cronológico a través de la carrera de Leiter, la exposición MK sumerge a los visitantes en su filosofía de buscar la belleza en lo cotidiano combinando períodos, medios y temas. Su sensibilidad, un sentimiento de serendipia vivaz, brilla en todo ello.
Una serie de aventuras en curso en el arte.
La muestra, que llega tras la publicación de un nuevo libro monumental, “Saul Leiter: The Centennial Retrospective”, es una caja de delicias y sorpresas.
Sus primeras impresiones en blanco y negro, especialmente sus retratos de mujeres, son pequeñas gemas muy recortadas y manejadas con sensibilidad, pequeñas ventanas a las amistades.
Si bien una serie de desnudos revelan un talento para capturar intimidades sutiles y dulces, especialmente cuando enmarcan a su amante y musa de toda la vida, Soames Bantry, sus pinturas en tonos cítricos ilustran sus continuas aventuras con el pincel.
Pero es su fotografía en color en las bulliciosas calles (dejó unas 40.000 diapositivas) su obra más distintiva.
Con sus grandes planos de ofuscación (resultado del toldo de una tienda o de un transeúnte), sus fotografías se hacían eco de los lienzos de los expresionistas abstractos, algunos de los cuales Leiter conocía personalmente (vivió durante un tiempo en la calle 10, en el corazón de la escena). ).
De manera similar, estaba en la órbita de la “Escuela de Fotógrafos de Nueva York”, un grupo poco relacionado que incluía a Diane Arbus y Robert Frank. Pero siempre fue un personaje aparte, nunca miembro de ningún movimiento.
«Nunca se instaló realmente en la sociedad», dice Morin. Leiter lo reconoció, pero no lo consideró un fracaso. “He logrado no ser famoso”, observó. Lo que hizo en cambio fue mantener una mirada firme y sin remordimientos hacia lo menos obvio. Como comentó una vez su cansado asistente de laboratorio: “¡Otra vez no hay paraguas!”
“Saul Leiter: An Unfinished World” está en MK Gallery, Milton Keynes, hasta el 2 de junio. “Saul Leiter: The Centennial Retrospective”, es una publicación de Thames & Hudson y ya está disponible.
